Os maiores fracassos de bilheteira dos anos 00

Bem não tenho escrito nada no blog muito por causa dos meus exames... (anatomia grrrr), mas vi um artigo muito interessante que gostava de partilhar:

http://www.examiner.com/examiner/x-1550-Seattle-Movie-Examiner~y2009m11d18-The-Wednesday-10--The-Top-10-Best-Box-Office-Bombs-of-the-Decade

Basicamente o artigo descreve os maiores fracassos de bilheteira dos anos 00, no entanto só tem em conta o Box Office dos USA, ainda assim... vejamos os títulos:

10 - The Fountain (D. Aranovsky): Custou 35m, rendeu 10.1m: este compreende-se que tenha tido pouco sucesso pois é um filme díficil, até para cinéfilos experientes e é um filme que muita gente odiou, metade das críticas foram negativas, eu adorei, achei transcendente...

09 - Sunshine (D. Boyle): Custou 40m, rendeu 3.7m: embora o final comprometa pois é um pouco cliché, a viagem até ele é muito boa, muito na veia de 2001 odisseia no espaço, é um dos melhores filmes de Sci-Fi da última decada

08 - Serenity (J. Whedon): Custou 39m, rendeu 35.5m: é baseado naquela que é, a par com Battlestar Galactica, a melhor série de Sci-Fi de sempre e que foi injustamente cancelada a meio da primeira temporada, o filme embora lhe falte um pouco da genialidade da série foi um dos meus preferidos de Sci-Fi dos anos 00.

07 - Funny People (J. Appatow): Custou 75m, rendeu 51.9m: com Adam Sandler em papel príncipal e Appatow a realizador é díficil de entender porque é que este filme foi um fracasso, ainda para mais é o filme de Appatow que é mais bem conseguido e com mais piada, talvez tenha sido má publicidade. Facto interessante... é um filme sem efeitos especiais... ainda estou para perceber onde foi parar tanto dinheiro....

06 - Marie Antoinette (S. Coppola): Custou 40m, rendeu 15.9m: embora não seja tão bem conseguido como Virgin Suicides ou Lost in Translation é um filme bastante bom, e com um dos meus actores de eleição - jason schwartzman, que já agora faz uma série noir fenomenal chamada Bored to Death com os também geniais Zach Galaffinakis e Ted Danson

05 - Che (S. Sodderberg): Custou 40m, rendeu 1.7m: é a obra prima de Sodderberg e um dos grandes épicos da década passada, é um filme muito longo, mais de 4horas, mas que merecia ter sido visto na sua versão integral e não separado em dois. Del Toro faz uma das melhores performances da década...

04 - The New World (T. Malick): .Custou 30m, rendeu 12.7m: Malick é um dos actuais mestres do cinema, só que realiza poucos filmes, portanto sempre que ele nos proporciona uma das suas obras de arte deveria ser razão para meio mundo ir ao cinema... o que não aconteceu. É uma pena pois está é a melhor versão de sempre da história da Pocahontas... sim aquela história do filme da Disney e do Avatar...

03 - The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford (A. Dominick): Custou 30m, rendeu 3.9m: É talvez o melhor filme da década passada, e a seguir a Once Upon a Time in the West é o melhor Western de sempre, aliás Dominick "rouba" muitos planos ao mestre Leone... Uma cinematografia do mais bonito que há e uma das melhores performances de sempre em Casey Affleck... Tem recebido um pouco mais de atenção na edição DVD/Blu-Ray do que no cinema (o que por um lado é bom mas por outro é mau porque as pessoas perderam uma das melhores experiências cinematográficas dos ultimos anos) Recentemente soube da existencia de um Director's Cut de mais de 4 horas, mas que infelizmente não está disponivel em lado nenhum... é esperar que a Criterion pegue nele, era mais que merecido...

02 - Master and Commander: The Far Side of the World (P. Weir): Custou 150m, rendeu 93.9: O facto deste, e Sunshine, serem os piores filmes nesta lista mostra a importancia dela. Não é de longe uma obra prima, mas é um filme muito bom! Era para ser uma série de filmes mas depois do fracasso do primeiro acho que os estúdios não pegam mais nela...

01 - Zodiac (D. Fincher): Custou 65m, rendeu 33m: é um filme noir dos tempos modernos... tão bom quanto Se7en ou Fight Club e com o sempre fenomenal Robert Downey Jr, é no entanto um filme muito menos comercial dos que os outros do realizador, ainda se vai tornar num grande culto (secalhar até já se tornou...)

Toda esta lista para dizer o que? Aquilo que já todos sabemos suponho... Embora haja muitos filmes com muito exito que são muito bons (e eu adoro um bom blockbuster), nem sempre o sucesso do filme reflecte a sua qualidade... Esperemos que pelo menos um destes ganhe culto e seja reconhecido como um dos melhores filmes de sempre... O melhor exemplo de uma situação destas é Shawshank Redemption, foi um fracasso de bilheteira, não ganhou Oscares mas hoje em dia, muito devido ao IMDb, é visto como um dos melhores filmes de sempre... Assassination of Jesse James é melhor que Shawshank... precisam de mais alguma razão para verem todos os filmes desta lista??

Stationary Traveller

(uma rumagem imaginária pelos becos e prateleiras, pelo pó e vielas, por montes e vales, na busca de 5 filmes para a lista que apresentei no MOTM)

O senhor de modos graves e gestos profundos que se plantou à entrada do videoclube que havianaquela tarde, ao cair do sol, dirigiu-me um gesto discreto, envergonhado até, com a mão mutilada em combate, convidando-me a entrar.Envergando um estimado fato de marinheiro, um atento papagaio trazia poisado no ombro, bicho de olhar fixo, que atentou em mim com olhos miudinhos, adormecidos, de olhar morto, lamentoso. E foi então que fiquei parado à entrada, passando pelo interior do videoclube um olhar pesquisador, não me apercebendo que entretanto um cachorro atrevido aliviara a bexiga nos meus sapatos… humilhados.

De bigodes fartos e envelhecidos, o capitão trazia sentados na cana do nariz uns óculos necessários, ele que assim figurado com traços românticos, aventureiros, representava a vitória da memória dolorosa num homem sobre quem o tempo julga, e com razão, que venceu, que derrotou.

E porque havia sido capitão de um navio pirata, e porque, cansado da pirataria rumou a Hollywood onde lhe atribuíram papeis de pirata em filmes musicais, nos quais cantava e dançava de espada em punho, ei-lo que justificou assim a alcunha de “Capitão”.

Fiquei contente por vê-lo ocupado, a não apodrecer no canto do tédio, arrumado, como o casco fossilizado dum barco rabelo que apreciei nas encostas do Douro, absorvido pelas raízes dasvideiras pródigas, que nele lambem o húmus da madeira carcomida para temperarem a casta.

Ele soube, nunca revelou como, que eu deambulava pelas vielas negras, esquecidas, estreitíssimas, farejando em velhos videoclubes de paredes já apodrecidas, de olho fixo nasprateleiras curvadas sob o peso das velharias. O que procurava eu então?

Vi-o retirar de trás do balcão um pequeno embrulho que farejei, excitado pela surpresa, e precipitei as mãos sôfregas para desbaratar o papel que envolvia 5 filmes, 3 deles subordinados aum lamiré: o discurso que emerge a partir da representação de representações, proporcionado um olhar atento a outras expressões visuais (“Pollock” ; “Caravaggio”) e conduzindo-se, por outro lado, por um discurso mimético em relação a outras formas de representação plástica (“Os Livros de Próspero”).

Se não incluí o conjunto dos 5 filmes nesse plano de análise tal se deve ao facto de olhar os dois filmes restantes num plano simbólico em que me atrevo a situar, senão todos os actores/intervenientes (“200 Motels”) pelo menos o protagonista (“Performance”) das duas películas.

Trata-se de ícones da cultura Pop, encerrando a sua figura uma simbologia que conduz o espectador a uma pré-leitura, à catalogação desse significante (um ídolo do meio musical), sendo difícil esperar que o espectador o veja como actor, mas antes como uma figura que é estratégicamente usada pela sua carga simbólica junto do espectador.

E então amigo? - Disparou o capitão. Pediu-me 5 filmes que pudessem corresponder de alguma forma aos anseios dos visitantes do MOTM com particular interesse em visionar registos cinematográficos nos quais se pode constatar uma interacção com outras formas de expressão artistica: a música e as artes gráficas. Aí estão eles! – rematou, incisivo.

Satisfeito pelo resultado da pesquisa por ele elaborada, fiz continência ao capitão e ao seu papagaio de plástico, virei costas e eis-me novamente na rua frequentada por gatos com ar lamentoso, adoentado; de embrulho debaixo do braço, ia já a virar a esquina quando uma voz autoritária lançou um grito de ordem, “ao ataque meus piratas!!!”

Era ele, o capitão, de espada em punho, que a custo procurava arrastar ambas as pernas doentes para me conseguir intersectar. O susto transformado em terror imobilizou-me os músculos e fez-me aceitar a morte que o sabre ferrugento que se erguia no ar me queria impor, trespassando-me e fazendo-me tombar sobre uma poça de sangue.

Os meus olhos transidos pelo terror viram chegar-se ao meu rosto a máscara acabrunhada queno rosto do capitão se desenhara, …e os ouvidos escutaram:“Esqueceu-se de pagar os filmes, meu amigo!!!”

Levantei o chapéu de palha e de pronto caíu do interior uma pepita de ouro africano que lhe deixei na palma da mão.

Tendo recuperado o ar nos pulmões, senti-me vivo novamente, ...dei um pontapé no traseiro do vento e prossegui caminho até aqui.

The End

CINEMA E PSICANÁLISE

DEI, NUM DESTES DIAS, UMA ESPREITADELA AO "HISTOIRE(S) DU CINEMA" POR

JEAN-LUC GODARD, ONDE ELE, PENDURADO NUM LONGO E ABUNDANTE

CHARUTO, SE ABSORVE PELO QUE VAI BATENDO NA MÁQUINA DE ESCREVER.

E LÁ VI, POR EXEMPLO, A IMAGEM DE JOHN FORD, O TAL QUE NAS ENTREVISTAS

NÃO DIZIA NADA, PARA TUDO DIZER NOS FILMES.

E LEMBRO-ME QUE NA "CAVALGADA HEROICA" ELE VEIO DIZER QUE NOS FILMES

DO FARWEST OS INDIOS NÃO PASSAM DE UM ELEMENTO DO

CENÁRIO, REPRESENTAM O MAL EXTERIOR, MAS...SE NÃO HOUVESSE O

"EU" NÃO HAVERIA MUNDO EXTERIOR (UMA PROJECÇÃO NOSSA).

É NOS OUTROS QUE IDENTIFICAMOS E CASTIGAMOS AS NOSSAS FALHAS,

NOSSOS DEFEITOS, NOSSO MAL.

QUANDO O ASSASSINO CUMPRE O SEU PAPEL, É O SEU SUBCONSCIENTE QUE O

IMPELE A LIBERTAR O MUNDO DO MAL QUE EXISTE EM SI, QUE O ATORMENTA,

MAS QUE ESTE SÓ NOS OUTROS IDENTIFICA, SÓ NOS OUTROS CASTIGA.

NÃO FOI ISSO QUE NOS DISSE SCORCESE EM "TAXI DRIVER"?

E NÃO TERÁ SIDO ISSO MESMO QUE QUIS DIZER BERGMAN QUANDO, EM

RESPOSTA AOS ELOGIOS DESMEDIDOS QUE CERTA VEZ GODARD LHE DIRIGIA,

LHE MANDOU DIZER:"QUANDO FALAMOS DOS OUTROS, DE QUE FALAMOS NÓS

SENÃO DE NÓS PRÓPRIOS"?

O dragão - animal mítico que pela sua maldade deu água pela barba a S. Jorge, posto

em cima de tão galharda montaria e enfiado em férrea armadura, nomeado pela

providência para dominar tal fera - que mora naquela gruta mesmo ao fundo do vale

está a conjecturar fazer-me uma visita. O que pretende a vontade dele? Aterrorizá-lo,

dizem-me. É o papel dele, ripostei eu.

Como fui avisado com suficiente antecedência, deixei pregado na minha porta um

papel que o avisava de que eu não estava, que estava em trabalhos, entretido a

escrevinhar as linhas que se seguem:

“Cinema Noir

ou

O Drama da Redenção”

(O enquadramento teológico, histórico e psicanalítico)

Parte I

Na versão teologica da criação do mundo que as Sagradas Escrituras sustentam, as

personagens Adão e Eva (os “filhos”), desobedientes, comeram do fruto que o “pai”

(Deus) amaldiçoou, o fruto que permite o conhecimento do Bem e do Mal.

Por tal, são condenados à condição de mortais e a viver num mundo

de padecimentos.

A sua descendência (Abel – o sopro de vida e Caím – a destruíção) simboliza o

conflito das duas pulsões que se manifestam no subconsciente e orientam a vontade

humana (a pulsão da vida (Eros) e a pulsão da morte (Thanatos)).

A vida do Homem desenrola-se através duma sucessão de episódios, passando ele

por

um conjunto de provações impostas pelo destino que lhe foi traçado pelo “pai”.

O regresso ao Paraíso é-lhe prometido, mas para tal conseguir, o Homem precisa

aceitar o sofrimento de que é vitima, precisa redimir, dessa forma, os seus erros, o

mal que semeou no mundo. A Culpa e a Redenção.

A Civilização Ocidental ergueu-se então sobre os fundamentos éticos postulados pelo

mensageiro do “pai” (Jesus Cristo). Ele padeceu e morreu às mãos dos “filhos” de

Deus para revelar ao Homem que este é dominado pelo Mal, e que só a humildade e a

aceitação o podem aproximar novamente do “pai”, como é bem evidenciado na

Paixão

de Joana D’Arc, filmada por Dreyer.

Parece-me evidente, como escreveu Freud, que a nossa vida assenta em repetições,

repetimo-nos pela vida fora, sustentava ele, sendo oportuno, penso, assinalar essa

pulsão no comportamento humano desde o alvorecer da espécie humana. Sempre

vimos, no decurso da História, o aniquilamento do “pai”, com o objectivo da auto-

afirmação, da fuga à submissão.

“Bloco de Notas”

O Cinema Noir…

Ou

o Drama da Redenção

Parte I

"O Expressionismo Alemão"

Foi com especial atenção e deleite que li a carta que me fez chegar por estes dias, a

dar nota das suas impressões após o visionamento de 2 filmes expressionistas

produzidos em Hollywood, que alguns críticos franceses eufemísticamente

designaram por “Noir”.

Para corresponder ao assunto da sua carta não tenho outro cavalo que me transporte

senão o que se alimenta dum paralelismo que vislumbro entre o drama vivido pelo

protagonista do filme “Noir” e o do “condenado” que segue um caminho penoso que

o conduz à redenção, no âmbito do drama de cariz teológico.

Desde já falo-lhe da génese da angústia que a corrente estética “Expressionismo”

assumiu como estandarte em finais da década de 10 do século passado. Angústia essa

gerada pelo trauma da vivência no mais terrível e devastador período da história

humana (1914-1945). Até ao século XX, nunca o indivíduo se sentira de tal forma

assaltado pelos seus próprios fantasmas, pela pulsão da morte, tão estranho perante

si próprio e, sobretudo, para com o “Outro”.

A Alemanha, a nação mais castigada e humilhada no seu orgulho, no desfecho da 1ª

Guerra Mundial, torna-se terreno fértil para o desenvolvimento, no campo da arte, de

um discurso pessimista, assombrado, consequência da humilhação do espírito épico

e patriótico do povo alemão, de que as óperas de Wagner e a filosofia de Nietzsche,

são quiçá, a expressão cultural mais retumbante.

É no seio desse povo de alma destroçada, que germina então um estilo de cinema

feito de sombras, de monstros humanos, de contrastes vincados (a duplicidade que

faz nascer, por exemplo, a figura da mulher fatal).

“Ai de nós, não passamos de uma nuance.”

- F. Nietzsche –

Sim, não era eu e a minha vontade quem esperou por Ela naquela manhã de

nevoeiro. Não era senão eu de braço dado com a minha consciência, e Ela sabia-o.

No fundo nenhum de nós desejava estar em presença do outro, apreciávamos, isso

sim, a nossa representação através da voz, via telefone, ou através das mensagens

trocadas na net.

Amamos a representação que a nossa intuição, alimentada pela imaginação, faz do

outro, a partir dos escassos elementos comunicantes que percepcionamos. Esse

“pouco” confortava-nos, não desejávamos ter o “eu” presencial do outro.

Abri a lista de mail´s para ler a mensagem que lhe havia enviado com a intenção de

espicaçar a sua curiosidade pelo filme “Crash” de David Cronenberg.

“Os Meus Filmes do Blog”

“Crash” – David Cronenberg, 1996

Parte III

Fucking Days, Fucking Dogs

Ou

As novas plataformas do “Eu” e do “Outro”

“ As cenas de “Crash” desenvolvem-se em torno de termos recorrentes: sexo, perigo,

excitação e morte. Ao longo das auto-estradas e dentro dos carros os personagens

são envolvidos numa espécie de sub-cultura onde se descobrem novas formas de

sexualidade, no confronto com o desejo para a morte, no seu desafio e na consciência

que um dia a morte vencerá.”

Ela sabia que esperei naquela manhã obedecendo aos ditames da minha consciência

que me ordenou me prestasse a conhecê-la pessoalmente, para não me negar à vida,

não me refugiar no quarto, não me abraçar ao medo, escondido atrás dum écrãn ou

do outro lado do auscultador.

E foi durante o mergulho que dei nestes pensamentos, que ela me ligou para concluir

as suas impressões sobre “Crash”, o filme que vira na outra noite.

“Esta é uma era da produção do “outro”, onde a pior alienação é estar despojado do

“outro”, ter de o produzir na sua ausência. Esta ausência preenche-se com as

invenções técnicas que amputam ou acrescentam, modelando o corpo em função de

um modelo ideal.”

Fiquei prostrado no sofá, filtrando as palavras que a minha vizinha deixara no meu

ouvido, assumindo uma outra identidade com a voz, apenas a voz, uma faceta, uma

nuance, e não um todo.

“…esse modelo ideal é feito de marcas impressas nas cicatrizes do corpo, como um

catálogo de ferimentos, cheios de amputações e implantes, num esquema em que os

dispositivos da técnica permitem re-alcançar a integridade do corpo, ainda que se

mantenham os vestígios do que parecem ser cicatrizes ou se utilizem próteses…pró…

pró…pró…pró…pró…pró…pró…pró…pró…pró…pró…

E foi então que se instalou uma súbita anomalia do outro lado; a voz da minha

vizinha começou a repetir indefinidamente a primeira sílaba da última palavra. Sem

precisar de ouvir mais, ajustei os atacadores dos sapatos, deixei a queimar no cinzeiro

o cigarro (que não fumo) e saí para a rua.

The End

Bibliografia:

Todas as citações empregues nas três partes de que se compõe este “texto” foram retiradas do ensaio “Uma Metáfora Chamada “Crash” – A inquietação do corpo”, da autoria de Paula Cordeiro.

Contam as lendas que habitam a mitologia das gentes do Nordeste

húmido e fértil da India, que certa hora, sepultados em remansoso

repouso, se gerou certo rebuliço por entre um grupo de leões brancos

porque avistaram um grupo de saltimbancos e sua caravana que seguiam

floresta fora disfarçados de leões, momos eles, de “casaco” idêntico, um

focinho parecido, bigodes de igual modo semelhantes, trejeitos a condizer

e uma cauda a compor o simulacro. Um deles, o que fazia a figura de

tratador, sustentava nas mãos um velho gramofone que emitia um rugido

mais imenso que o dos verdadeiros leões. Perante tão magnificente

espectáculo, os leões brancos, no papel de espectadores só tiveram uma

coisa a dizer: passaram a língua pelos bigodes, em sinal de satisfação,

rendidos ao aparato.

“OS MEUS FILMES DO BLOG”, “Crash” – David Cronenberg, 1996

(Fucking Days, Fucking Dogs…ou… o corpo como campo de representação e poder)

Parte II.

Lambi os olhos dela com carinho desmedido, confesso, ao vê-la sujeita ao

sofrimento que, no fundo, impôs a si própria. O travo adocicado da saliva

logo se deixou vencer pelo acre e lânguido odor da suas lágrimas.


Fôra atropelada por um automóvel, por desvelo seu, quando se expôs à

sorte, ao desafio, passeando-se estrada fora, mesmo pelo centro da via.

Foi projectada contra um muro e logo as feridas se abriram por todo o

corpo. De imediato um grupo de cachorros correu em direcção a ela.

Apreciaram a sua coragem e foram socorrê-la? Não, todos, excitados

pela vertigem do desafio que ela se dispôs a fazer à morte, correram para

com ela viverem esse momento orgástico, descarregando no ventre dela a

sua energia sexual.


Tomados pela inveja, correram para a possuírem, conseguindo por essa

via ultrapassar esse sentimento que os amesquinhava.

As fotos que lhe tiraram no momento do acidente estão afixadas pelas

paredes do bairro. Uau!! Suspiraram os transeuntes perante a visão de

tão espectacular acidente. Quem é ela? Queremos conhecê-la! Era o que

mais se ouvia pelas ruas.


A heroicidade e o corpo mutilado da cachorrinha fizeram-na atingir um

ideal como corpo-modelo.


“Em “Crash” Cronenberg deixa o corpo assumir a sua autonomia

encarando as suas próprias modificações no quadro das consequências

que acarretam para a sociedade moderna.” Aínda me ressoavam nos

ouvidos estas palavras com que a minha vizinha, dona da cadelinha, me

transmitira as suas impressões sobre o filme que vira no dia anterior.

Não imaginava ela o que se iria passar com a sua cadelinha; de súbito se

tornou uma “star”, à custa das próteses que o seu corpo agora ostenta, à

custa de ser “outra”.

Os Gritos de Hitchcock

O curioso sobre a história das artes, é que podemos dizer que determinadas formas de fazê-la em tudo que esta palavra abrange foi desenvolvida por pessoas de especial talento. Assim, é possível afirmar que o cinema feito por suspense não seria o mesmo sem o Mestre do género, isso é bem óbvio.

Entre os apaixonados por cinema, podemos notar que dentre toda a filmografia de Sir Alfred há sempre um filme capaz de agradar, ou seja, alguns não adoram “Vertigo”, mas idolatram “Suspicion”, parece que sua carreira foi construída com base nessa mentalidade. E não é difícil de entender por que este nome é tão forte, sua preocupação com elementos simbólicos e de interpretação pessoal, não é igualável a Kubrick, mas foi importante para toda a safra colhida nas décadas seguintes ao seu surgimento, porem o que talvez mais chame a atenção em sua técnica é o uso da câmera, mas não é sobre isso que trata este texto.

Ao assistir um filme há sempre uma “Silaba Tónica” que soa mais forte, e que ao passar do tempo te faz lembrar a fita. No conjunto da obra do Mestre do suspense é possível elencar os gritos infernais de seus personagens, que nos proporcionam momentos de adrenalina maior do que muito filme dito pesado.

Na primeira cena de Vertigo acompanhamos a perseguição de James Stewart e seu amigo a um suspeito sobre os telhados de São Francisco, Stewart salta, escorrega e faz espatifar um pedaço de telha. Seu amigo tenta ajudar e o som é agudo, forte, como se estivesse caindo em um abismo em direção ao inferno. Em seus minutos iniciais, “Vertigo” já disse tudo com apenas um som, “O som perfeito”. O jogo de câmera e montagem empreendido por Hitchcock chama a atenção, mas, o que também impressiona, dentro do cinema, é a utilização do som, o tão chocante grito que expressa “acho que esse é o fim da linha”, é algo que causa mais terror do que qualquer cena de “jogos mortais”.

“O Homem que sabia demais” com todo aquele humor inteligente que não prejudica em nada a tensão forte que causa a cada instante, é um filme que carrega certo ar de sátira, não sei se o mestre quis brincar em sua refilmagem, pois ainda não vi a primeira versão. Doris Day a Renee Zellweger do seu tempo, põe a cereja no topo de uma das cenas de maior nervosismo e apreensão do cinema, com o seu grito alarmante no espetáculo do grande Bernard Herrmann. Outra questão neste filme é a brincadeira de misturar ficção e realidade já que quem assina a trilha é como de costume o Bernard Herrmann.

Provavelmente a cena do chuveiro de "Psicose" é a mais famosa do mundo e foi preciso apenas uma vitima feminina, um ambiente claustrofóbico onde ocorre o maior numero de acidentes em uma casa, uma faca, uma música e um grito, ou melhor, o grito, que alem de muita crueldade carrega muita sensualidade..

Outro filme que merece ser citado é "Interlúdio”, embora seja um filme de sussurros (espionagem) exprimi o sentimento de desespero que o grito demonstra, em cenas como aquela em que Ingrid Bergman sendo levada ao quarto tendo a consciência de que esta sendo envenenada, e a de Claude Rains voltando para casa de cabeça baixa sabendo de sua morte certa pelas mãos de seus amigos.

A noção que Hitchcock tinha do mundo físico e do inconsciente humano era literalmente e figurativamente assustadora transformava os acontecimentos banais de seus filmes no mais terrível pesadelo, como o idealismo nazista, egoísta, esnobe e doentio que é o tema central de "Rope 1948" (meu preferido do mestre), que tem seu inicio com um grito daqueles que temos pedindo por ajuda quando acordamos de um pesadelo, e nesse caso o pesadelo esta só começando, pois o absurdo habita na mente das pessoas. Hitchcock foi um dos grandes mestres das artes, e só não é aplaudido por aqueles que ainda não lhe deram oportunidade.

Numa dessas manhãs submersas pelo nevoeiro, quem me quisesse encontrar, dava comigo a

deambular de trás para a frente, com as mãos atrás das costas, qual Willie Fog no embarcadouro

do porto de Londres, excitado pela perspectiva de de se ir entregar a uma das mais

mirabolantes

experiências por que um humano jamais houvera passado: enfrentar desafios e perigos inauditos

com povos e bichos adversos pelos quatro cantos do mundo; isto a fazer fé na versão infantil dos

livros Disney, com a insuperável dupla de heróis Mickey e Pateta como protagonistas da referida

epopeia.

Nessa manhã, à entrada do meu prédio, apresentava-me aperaltado, limpo, barbeado de fresco e

com hálito de menta, e não me importava que o soubessem. Mas passaram-se os minutos às

mãos cheias e nem cheiro dela. Desisti, dei meia volta e subi a escadaria do prédio até ao 2º

andar. Enquanto limpava os sapatos no tapete, o telefone, lá dentro, avisava que alguém queria

dizer, queria falar.

Já lá dentro, fixei o olhar num cartaz que havia na parede da sala. Ema, de Vale Abraão, encosta

o seu olhar à gaiola que enclausura um canário. Se o olhar dela o encanta, como para o engolir

com o seu desejo, logo me pareceu, nesse instante, ouvi-lo cantar um canto suplicante…e foi

então que levantei o auscultador…para Ela me dizer:

“ Os Meus Filmes do Blog “

CRASH – David Cronenberg, 1996

(Fucking Days, Fucking Dogs…ou…a morte do Romantismo como vivência subordinada ao SENTIMENTO e ao IDEAL)

Parte I

Ela: “A narrativa de “Crash” desenvolve-se a partir de um acontecimento que é o mito

fundador da mudança: os meandros do corpo, de noção de corpo, de limites e da exploração

de novas sensações que culminam numa nova vivência sexual.”

Sentei-me entretanto no sofá felpudo para melhor a ouvir falar do filme que fôra ver na noite

passada, imaginando que afagava o pêlo do meu cachorro lúlú, que não estava ali como de

costume, que não andaria longe , por certo.

A mudança de que ela falava via-a eu na postura do meu lúlú de Pekão (cidade do império

chinês,

perdida algures nas planícies da Conchichina, província do reino de Sião) e na lúlú de Pekim,

cachorra estimada da vizinha cuja voz amável tenho ao ouvido, no auscultador, relatando

impressões do filme que vira na noite anterior.

Eles não são mais os mesmos, de cães de companhia, viraram companheiros infieis, ausentes eles

se tornaram desde que ouviram falar da revolução sexual e da sociedade da combustão,

conceitos

que entraram na mente de muita gente nos idos da década de 60 do século já passado.

Eles amam as feridas mútuas, feridas que acentuam quando se amam apenas como animais, já

sem sentimento, afeição, castigam-se e magoam-se ao se amarem com violência, ficam

momentos longos contemplando seus centímetros de cicatriz, corpo mutilado, mente torturada

pelo vazio de que são escravos, enredados num espaço diminuto, no meu apartamento ou no

apartamento d’Ela, Ela que continuou, dizendo:

“A mutação do corpo humano, provocada pelos acidentes de viação, desencadeia a queda de

tabus, vergonhas ou preconceitos que propiciam toda uma nova lógica de desafio. Nesse

desafio, constroem-se novas acepções para o corpo num desejo escapista a uma normalidade

repugnante.”

Deixei cair na alcatifa a cinza do cigarro que não fumava, porque a visão dos dois canídeos na

minha varanda, debruçados sobre o espectáculo dos condutores que disparam os bólides sobre o

asfalto da rua, despertou-me a comparação imediata com o prazer que os personagens do filme

em causa desfrutam do objecto automóvel, o qual se impulsiona para a frente de uma forma

desenfreada e cega, submetendo-se à sorte e à pulsão da morte dos condutores.

Os personagens de “Crash” vibram bem no fundo do arrepio do sexo a entrega a um frémito

louco, irracional e seguindo o caminho da pulsão destrutiva. Sim, foi isso que vi ao observar o

meu lúlú de Pekão excitado com a competição dos bólides, imita-os, impondo com violência o seu

sexo às entranhas magoadas do corpo mordido e maltratado da lúlú de Pekim.

É o tédio e a tentativa de fuga, a fuga para a frente contra o muro, rematei eu, para explicar a

mim próprio a causa do que se impunha a meus olhos arrepiados com tão escabrosa mudança

nos

outrora tão românticos animais de estimação, precisamente a lúlú de Pekim e o lúlú de Pekão.